Imágenes de batería acustica

La batería acustica 

La batería es un conjunto de instrumentos musicales de percusión usado para muchas agrupaciones musicales.

El término «batería» también se refiere al músico que toca estos instrumentos, al igual que el término «baterista», ambos equivalentes.

Historia

Los instrumentos de percusión son considerados los más antiguos de los instrumentos musicales junto a los de viento o armónicos. El origen de la batería radica en la unión, en 1890, de unos cuantos instrumentos: los tambores y los timbales, que surgen de África y China; los platillos, que derivan de Turquía y también de China; y el bombo, de Europa.

En el siglo XIX los músicos románticos comenzaron a utilizar baterías cada vez más grandes, que fueron utilizados a principios del siglo XX, en elcakewalk y otros estilos estadounidenses precursores del jazz.

Antes de que todos los instrumentos fueran unidos y mientras su unión no era popular, eran tocadas por varias personas (entre 2 y 4), cada una de las cuales se encargaba de alguno de los instrumentos de percusión. Pero las pérdidas durante la Primera Guerra Mundial afectaron a la alta burguesía, que solía contar con pequeñas orquestas privadas, y se vieron obligados a reducir el número de músicos, y en muchos casos éstos, sobre todo los percusionistas, aprendieron a tocar varios instrumentos a la vez.

Con la invención del pedal de bombo (primero, de madera; después, de acero), en 1910, por parte de Wilhelm F. Ludwig, se permitió que casi todos los instrumentos percusión pudieran ser tocados por un solo músico.

Interpretes de la música

1. LIKE A ROLLING STONE (BOB DYLAN, 1965)
2. (I CAN'T GET NO) SATISFACTION (THE ROLLING STONES, 1965)
3. IMAGINE (JOHN LENNON, 1971)
4. WHAT'S GOING ON (MARVIN GAYE, 1971)
5. RESPECT (ARETHA FRANKLIN, 1967)
6. GOOD VIBRATIONS (BEACH BOYS, 1966)
7. JOHNNY B. GOODE (CHUCK BERRY, 1958)
8. HEY JUDE (THE BEATLES, 1968)
9. SMELLS LIKE TEEN SPIRIT (NIRVANA, 1991)
10. WHAT'D I SAY (RAY CHARLES, 1959)

Tipos de música
Rock and Roll: este género deviene de la combinación de géneros folclóricos estadounidenses como el blues, country, rhythm and blue, western, boogie woogie y jazz entre otros. Surgió en Estados Unidos en la década de los ’50. Es difícil determinar con qué artistas surgió este género, aunque la mayoría considera que Elvis Presley, Bil Haley y Eddie Cochran fueron quienes lo fundaron. Dentro de este estilo, los instrumentos musicales esenciales son la batería, guitarra y piano. Se caracteriza por la polifonía, por su tempo irregular, la improvisación, la entonación sucia, y acordes similares a los del blues.

Sus letras suelen estar cargadas de ideología por lo que, a diferencia del pop, son destinadas a un sector social más específico.

Blues: este género tuvo sus orígenes en Estados Unidos, en manos de comunidades afroamericanas. Se caracteriza por tener un patrón repetitivo y de llamada y respuesta, y compuesto por doce compases y notas de blues. Este género recurre a técnicas como bend, slide y vibrato. Sus letras suelen hacer alusión a la miseria y penas, a la situación de los negros frente a los blancos como la opresión y esclavitud, pero también posee tintes humorísticos, sexuales, alude a cuestiones religiosas, espirituales e historias realistas.  Algunos de sus exponentes son Robert Johnson, Skip James, Son House, Ray Charles, entre otros.

Jazz: este género también se gestó es Estados Unidos, hacia finales del siglo XIX. Dos características propias de son su sucesión de subestilos y la asimilación de diversos estilos musicales ajenos al jazz. Además, la improvisación, el swing y el reflejo de la personalidad del músico le otorgan un estilo muy particular.

Algunos de los máximos exponentes de éste género, a lo largo de su prolongada historia, son: Louis Armstrong,  Ella Fitzgerald, Billie Hollyday, Charlie Parker y Miles Davis.

Música clásica: esta expresión alude a aquellas obras creadas durante los años 1750 y 1810, que se conoce bajo el nombre de período Clásico o Clasicismo. Dentro de esta etapa se encuentran Mozart, Bach, Haydn e incluso Beethoven como sus máximos exponentes. Los compositores de esta época buscaron el equilibrio entre la estructura formal y la expresividad. Esto hizo que sus composiciones se caractericen por la moderación, el balance, la claridad, la perfección en la forma y el diseño. Además, en este período se recurrió en gran medida a los contrastes rítmicos, tonales, melódicos, dinámicos y de timbre.

Historia de la música

Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte. El movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. Danza y canto se funden como símbolos de la vida. Quietud y silencio como símbolos de la muerte.

El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas) para producir nuevos sonidos.

Hay constancia de que hace unos 50 siglos en Sumeria ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda (liras y arpas). Los cantos cultos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos.

En Egipto (siglo XX a.C.) la voz humana era considerada como el instrumento más poderoso para llegar hasta las fuerzas del mundo invisible. Lo mismo sucedía en la India. Mientras que en la India incluso hoy se mantiene esta idea, en Egipto, por influencia mesopotámica, la música adquiere en los siguientes siglos un carácter profundo, concebida como expresión de emociones humanas.

Hacia el siglo X a.C., en Asiria, la música profana adquiere mayor relieve gracias a las grandes fiestas colectivas.

Es muy probable que hacia el siglo VI a.C., en Mesopotamia, ya conocieran las relaciones numéricas entre longitudes de cuerdas. Estas proporciones, 1:1 (unísono), 1:2 (octava), 2:3 (quinta), y 3:4 (cuarta), y sus implicaciones armónicas fueron estudiadas por Pitágoras (siglo IV a.C.) y llevadas a Grecia, desde donde se extendería la teoría musical por Europa.

El término "música" proviene del griego "musiké" (de las musas). Por eso la paternidad de la música, tal como se la conoce actualmente, es atribuida a los griegos. En la mitología griega, las musas eran nueve y tenían la misión de proteger las artes y las ciencias en los juegos griegos.

En la antigua Grecia la música abarcaba también la poesía y la danza. Tanto la danza como el atletismo se sabe que tenían su acompañamiento musical en tiempos de Homero.

Hacia principios del siglo V a.C., Atenas se convirtió en el centro principal de poetas-músicos que crearon un estilo clásico, que tuvo su expresión más importante en el ditirambo.

El ditirambo se originó en el culto a Dionisos (Baco). Las obras -tragedias y comedias- eran esencialmente piezas músico-dramáticas. La poesía, la música y la danza se combinaban y las piezas eran representadas en los anfiteatros por cantores-actores-danzadores.

La poesía era modulada y acentuada por sílabas, e interpretada indistintamente en prosa común, recitado y canto. La melodía estaba condicionada, en parte, por los acentos de la letra, es decir, por la melodía inherente a la letra, y el ritmo musical se basaba en el número de sílabas. Es dudoso que hubiese diferencia real entre los ritmos musicales y los metros poéticos.

Desde el siglo IV a.C., el músico comenzó a considerarse a sí mismo más como ejecutante que como autor. El resultado fue el nacimiento del virtuosismo y el culto al aplauso.

La música, en general, se había convertido en mero entretenimiento, por lo que el músico perdió mucho de su nivel social. La enseñanza musical acusó un gran descenso en las escuelas, y los griegos y romanos de las clases elevadas consideraban degradante tocar un instrumento.

La división entre el ciudadano y el profesional ocasionó el divorcio social y artístico que en nuestro tiempo todavía afecta a la música europea.

La música

Es más fácil sentirla y reproducirla que explicarla o definirla. Todos entendemos qué es la música, pero ¿cuántos pueden poner en palabras cuáles son sus características esenciales o aquello que le da sentido?

El término música tiene su origen del latín “música” que a su vez deriva del término griego “mousike” y que hacía referencia a la educación del espíritu la cual era colocada bajo la advocación de las musas de las artes.

Puede decirse que la música es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído.

Ejemplos de oraciones que incluyen esta palabra: “La maestra de música me felicitó por mis avances con la guitarra”, “Amo escuchar música: no puedo trabajar sin ella”, “Gasto buena parte de mis ingresos en música, ya sea en entradas a conciertos o en discos”.

Existen diversos principios que permiten llevar a cabo esta organización de los sonidos y silencios. La armonía, la melodía y el ritmo, por citar tres elementos, son cuestiones que deben tenerse en cuenta a la hora de generar música.

Componentes de una orquesta sinfónica 

Instrumentos de cuerda 

Los instrumentos de cuerda comprenden la mayor parte de una orquesta sinfónica y se colocan en la parte delantera de la disposición orquestal. El sonido de un instrumento de cuerda es causado por la vibración de las cuerdas a través de una caja de resonancia hueca de madera. Muy a menudo, esta vibración es causada por el movimiento de un arco sobre las cuerdas. Sin embargo, en el caso del arpa, la vibración es causada por el punteo de las cuerdas. Los instrumentos que componen la sección de cuerda de la orquesta sinfónica son primeros violines, segundos violines, violas, violonchelos y contrabajos. Una o dos arpas también pueden formar parte de la orquesta sinfónica.

Instrumentos de viento

Los instrumentos de viento de madera están dispuestos en el medio de la disposición de la orquesta sinfónica. El sonido de un instrumento de viento es causado por la vibración de la columna de aire en el instrumento, que es un tubo hueco de metal o madera. Todos los instrumentos de viento de madera, excepto la flauta, utilizan una caña para hacer pasar esta vibración. Los instrumentos en la sección de viento están agrupados de manera que se extiendan en tramos de alta y baja de la orquesta. Los instrumentos que componen la sección de viento de una orquesta sinfónica son la flauta (incluyendo saxo alto y flauta baja), piccolo, oboe (incluyendo el bajo oboe), cor anglais, bajo oboe, clarinete y fagot. Los saxofones también pueden ser parte de la sección de viento de una orquesta sinfónica.

Instrumentos de metal

Los instrumentos de metal a menudo se sientan detrás de las secciones de cuerda y viento de madera en una orquesta sinfónica en plataformas elevadas. El sonido de un instrumento de cobre es causado por la vibración de los labios del músico en una boquilla unida a un instrumento de metal con tubo y campana de diversas formas. Aparte del trombón, que utiliza un deslizamiento, todos los instrumentos de metal utilizan teclas para crear las distintas notas. Los instrumentos que conforman la sección de metales de la orquesta sinfónica son la trompeta, corneta, trombón (incluyendo el trombón alto y bajo), trompa y tuba.

Percusión

Los instrumentos de percusión se asientan en la parte trasera de la orquesta. Estos instrumentos producen sonidos al ser golpeados o agitados. Los instrumentos de percusión se pueden agrupar en tres categorías: sintonizados, sin sintonía y teclados. No todos los instrumentos de percusión se incluyen en una orquesta sinfónica. Algunos ejemplos de instrumentos de percusión son el xilófono, bombo, timbales y piano.

Orden de una sinfónica en un concierto